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inspiración diaria – daily inspiration

Pintar una cara de una puerta de un color vibrante…

A vibrant entrance to a room…

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Mark Rothko

Mark Rothko, uno de los grandes artistas plásticos del siglo XX, y mi pintor favorito, nació en Letonia (1903-1970), aunque vivió gran parte de su vida en Estados Unidos.  Fue una de las figuras más destacadas del expresionismo abstracto americano de los años 40, junto a Barnett Newman y Jackson Pollock. 

Sus cuadros, ofrecen siempre la temática de los campos de color, dispuestos normalmente de manera horizontal, en número de dos, tres o cuatro, habitualmente sobre un fondo de otro color.  Rectángulos de grandes formatos confrontados de colores y con bordes desdibujados por veladuras.  Nuestra primera impresión puede ser la de encontrarnos frente a simples cuadrados de colores que hubieran podido ser realizados por cualquier aficionado. Sin embargo, son pocos los que saben que a Mark Rothko le tomó cerca de 20 años llegar a ese nivel de abstracción.

La intención del artista era que el espectador participara de una experiencia mística, de ahí los grandes formatos de los cuadros.  Rothko dotaba  a su obra de un sentido religioso.  A Rothko sólo le interesaba expresar las emociones.  La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección.  Según sus propias palabras “expresar las emociones humanas más elementales.  La tragedia, el éxtasis,  la fatalidad del destino…” 

Las obras de Mark Rothko son hipnotizadoras y seductoras, y plasman su ideal de que la pintura debe ser “la expresión simple de una idea compleja”; esa es, justamente, la clave de la oscuridad que envuelve tanto a su obra como a su vida. 

Al principio su obra tenía colores más llamativos y positivos, vivos y brillantes, como el rojo, el amarillo, verde…, sin embargo al final de su vida, sus cuadros estaban plagados de tonalidades oscuras, como el verde, violeta, marrón y sobre todo los negros.  Este cambio en la paleta de colores se asocia al estado depresivo del artista que le llevó al suicidio. 

En la fotografía, “Centro blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa), puesto en venta por Rockefeller, fue subastada en Sotheby´s por 72,8 millones de dólares!

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Mezclar sillas – Mixing chairs

Washi Tape

Lo último en manualidades.  Lo que conocemos aquí como cinta de carrocero, es el origen del washi tape, masking tape o celo japonés, que está causando furor en todo el mundo.

Por si no lo habéis visto todavía, es un tipo de celo, que se corta con las manos, y se pega y se despega tantas veces como uno quiera.  Compuesto por washi, que es el término japonés para denominar el papel de arroz, un tipo de papel muy fino pero muy resistente que se fabrica en Japón desde la época milenaria.

Los japoneses han actualizado este papel, y lo han convertido en un accesorio muy original para decorar todo tipo de objetos.    Además se puede escribir sobre él.    Está disponible en multitud de colores y motivos. 

Sirve para todo lo que se nos ocurra:   decorar muebles, paredes, forrar cajas, hacer guirnaldas, cambiar el look de floreros y jarrones, decorar tarjetas, velas, cuadernos, álbumes de fotos,  paquetes, pinzas, latas, botes de lápices…

Se pueden comprar online en innumerables tiendas. 

Como novedad, y para decorar la casa, ha salido al mercado el washi tape gigante, con el cual se puede cambiar el aspecto de una pared como si fuera papel de pared o un vinilo…  es como  un supergigante papel adhesivo. 

El masking tape ha sido creado por la compañía japonesa  MT y Sincol.

Acapulco Chair

 

Una pieza mítica.  La silla Acapulco fue diseñada en los años 50 por un artista anónimo en Acapulco, México.  Hecha a mano con PVC de alta calidad de vivos colores y base de acero negro mate con una capa de pintura electrostática. 

De diseño ergonómico, líneas simples, con el respaldo ancho e inclinado, la hace muy cómoda gracias a su asiento flexible, con cierto look retro. 

Su nombre homenajea a la ciudad de Acapulco, en la costa sur mexicana, y uno de los destinos turísticos de moda del siglo pasado en Hollywood.   

Se presume que Elvis Presley, Elizabeth Taylor, Orson Wells y John Kennedy fueron algunos de los famosos que pudieron haber descansado en esta silla. La razón, más que por su atractivo y fresco diseño o por su comodidad y ergonometría, es porque esta butaca se convirtió en un icono de Acapulco cuando este balneario era el preferido de grandes estrellas y personajes internacionales.

El diseño del asiento de la silla se basa en la técnica que empleaban los mayas para tejer sus hamacas. 

Es una silla apta para interior y para exterior y no necesita mucho mantenimiento.  También está disponible en versión mini.   Existe también la versión mecedora, y una variante, que es la Condesa, cuyo respaldo es más redondo.

Muy de moda hoy en día, esta silla se puede encontrar en numerosas tiendas on-line. 

Sillas Acapulco – I love

Mosaico hidraúlico – Hydraulic Tiles

El mosaico fue el antecesor del terrazo.  Los procedimientos de obtención son similares.

Un mosaico hidráulico es una baldosa decorativa de cemento pigmentado (no están hechas de barro o adobe, ni cocidas, como es el caso de las baldosas cerámicas), de uso interior y exterior. Inventado en el sur de Francia a mediados del siglo XIX, fue usado como pavimento en las construcciones hasta los años 60 del siglo XX.  A mediados del siglo XIX, se desarrolla en Barcelona una industria de baldosa hidráulica, que al coincidir con el Modernismo en Cataluña, hizo a Barcelona puntera en la fabricación de esta baldosa.

El proceso de fabricación se caracteriza por el uso de moldes metálicos («trepas») para la aplicación de los colores, que posteriormente son fijados a la base de cemento mediante el uso de prensa hidráulica.

La coincidencia de esta técnica con el desarrollo del modernismo hizo que los diseños fueran más complejos y artísticos y que los fabricantes contaran con los diseñadores de moda entre sus colaboradores.

El mosaico hidráulico se fabricaba pieza a pieza. El artesano elegía los colores que iba a utilizar y preparaba una pasta con agua, mezclando polvo de mármol blanco, cemento blanco, arena y pigmentos.

Este preparado se vertía en la «trepa», que consiste en un molde que integra unos separadores de bronce o latón encajados dentro de un marco. Cada espacio se llenaba con su color correspondiente. Cuantas más tonalidades tuviera el dibujo, más tiempo para su elaboración era necesario, por lo que el coste de la loseta aumentaba. Esta capa, la decorada, que es la que era visible cuando estaba colocada, tenía unos 4-5mm de espesor.